Березина Анна Михайловна
педагог дополнительного образования
ГОУ ДО ТО "ЦДОД", г. Тула
Развитие интеллектуального потенциала, поиски отбор талантливых обучающихся, оказание им поддержки в творческом и предпрофессиональном развитии – являются важнейшими задачами, стоящими перед системой дополнительного образования. Особая роль в решении этой проблемы отводится организации проектной и учебно-исследовательской деятельности обучающихся.
Главная идея методов проектов – направленность учебно-познавательной деятельности обучающихся на результат, который получается при решении практической и теоретической, но обязательно личностно значимой и доминирующей проблемы.
В проектной деятельности обучающиеся:
- овладевают навыками работы с источником информации, технологиями, навыками самоорганизации;
- учатся ставить перед собой цели, планировать и корректировать деятельность;
- учатся принимать решения, моделировать, проектировать.
В основе работы над творческим проектом лежит развитие критического мышления, познавательных навыков обучающихся, умений самостоятельно конструировать свои знания, интегрировать их из различных областей науки, техники, искусства, ориентироваться в информационном пространстве.
Активное включение обучающихся в создание тех или иных творческих проектов дает им возможность осваивать новые способы человеческой деятельности в социокультурной среде.
Защита выпускных итоговых работ (творческих проектов) в ГОУ ДО ТО ЦДОД» организовывается в очной форме, в ней примают участие обучающиеся от 12 лет и старше, заканчивающие обучение по дополнительным общеобразовательным программам. В моем объединении - программы «Страна художников» и «Батик».
Этапы работы над творческим проектом
Работа над творческим проектом делится на 3 этапа: подготовительный, практический, заключительный.
1. Подготовительный этап.
Деятельность обучающихся:
· выбор темы творческого проекта (исходит из интересов каждого обучающегося, приобретая индивидуальный характер);
· определение актуальности темы;
· обоснование выбора темы;
· сбор и анализ необходимой информации для написания пояснительной работы, выбора сюжета темы.
Деятельность педагога дополнительного образования:
· определение цели и задач творческого проекта;
· составление плана работы по реализации творческого проекта;
2. Практический этап.
Деятельность обучающихся:
· обработка полученной информации;
· подготовка необходимых материалов, презентации к защите;
· выполнение обучающимися творческого проекта с учетом требований (структуры, технологии, техники безопасности, дизайна и др.).
Деятельность педагога дополнительного образования:
· консультации;
· текущий контроль работы обучающихся над творческим проектом и его корректировка.
3. Заключительный этап
Деятельность обучающихся:
· самооценка качества выполненной выпускной итоговой работы (творческого проекта);
· защита выпускной итоговой работы (творческого проекта).
Структура и оформление творческого проекта
Творческая работа по изобразительному искусству представляет собой рисунки (картины) размером не менее 30х40см и сопровождается пояснительной запиской. Это может быть серия работ, посвященная одной теме, например, «Городской пейзаж», «Иллюстрации к литературному произведению» или одно самостоятельное произведение форматом А2 (А1). Работы должны быть оформлены в паспарту (низ - 8 см, верх – 5 см, справа, слева – 6 см). Рисунок вместе с паспарту заключается в раму под стекло. Материал исполнения творческой работы определяется автором. Тема проекта утверждается на методическом объединении ГОУ ДО ТО «ЦДОД».
В творческий проект входят: рисунки, пояснительная записка и презентация.
В пояснительной записке к творческому проекту не допускается сокращение наименований, за исключением общепринятых. Объем работы составляет около 10 страниц печатного текста формата А 4. Шрифт 14, Times New Roman, поля: верхнее, нижнее – 2 см; левое – 3 см; правое – 1 см. В тексте должны быть использованы фотографии работы и картинки или иллюстрации, поясняющие и дополняющие текст.
Титульный лист работы должен содержать следующую информацию: полное название образовательного учреждения в соответствии с уставом; наименование формы: выпускная итоговая работа (творческий проект); название темы (посередине, в кавычках); ФИО автора (в именительном падеже без сокращений); название объединения; возраст автора; ФИО педагога (без сокращений).
Пояснительная записка
должна содержать следующую информацию:
· обоснование выбора и актуальность темы;
· цель и задачи выпускной итоговой работы (творческий проект);
· жанр в живописи (техника в батике), его понятие и история развития;
· содержание (описание) рисунка (работы);
· этапы выполнения работ;
· описание и анализ работы. В анализ входит:
- Описание того, что изображено на картине.
- В каком стиле написана картина (реализм, минимализм, импрессионизм и др.).
- Манера исполнения. Рука художника, мазки, "почерк".
- Техника. Маслянная, акварель, графика и др.
- Композиция. Симметрия, асимметрия. Диагональ, закрытая или открытая композиция, что на картине является главным. На каком плане находится главное, выделено ли цветом, положением, динамикой или др. Какая система освещения (откуда и куда) и расположения предметов (по низу, по верху). Какие контрасты, какой ритм. Расположение предметов, загруженность-разгруженность.
- Перспектива. Вид, есть ли воздушная перспектива. Ракурсы (какие развороты фигур).
- Световоздушная среда. Контрасты, нюансы, малейшие оттенки цвета, светотень, рефлексы.
- Колорит: теплый, холодный, насыщенный, разбеленный, контрастный, классический.
· Заключение. Идея сюжета и ее воплощение изобразительными средствами автором (Удалось или нет? Как?). Возможности дальнейшего использования работы.
· Список используемой литературы и электронных ресурсов.
В конце пояснительной записки обязательно прилагаются списки используемой литературы и электронных образовательных ресурсов.
Выпускная итоговая работа (творческий проект) должна быть предоставлена на бумажном носителе в файловой папке и электронном носителе (документ Word или презентация).
Защита выпускной итоговой работы (творческого проекта) представляет собой сочетание устного доклада, сопровождающегося презентацией, с представлением картин.
Презентация должна быть не менее 20-25 слайдов, 2 из которых - титульный и список литературы (электронных ресурсов). Она должна сопровождаться как текстом из исследовательской работы по теме (проблеме), этапам выполнения работ, так и картинками, фотографиями. В презентацию можно включить дополнительно, что будет плюсом к работе - поэтапное выполнение творческой работы (проекта) с фотографиями и текстом из пояснительной записки.
Контроль теоретических знаний по программе «Страна художников» проводится параллельно с защитой работы в форме тестирования. Тесты состоят из 15 вопросов по теории искусства и истории искусства с 3-4 вариантами ответов.
Пример оформления и написания пояснительной записки
Выпускная итоговая работа (творческий проект) на тему «Натюрморт в различных художественных техниках», состоит из трех работ
формата А2.
В натюрморте много обычных бытовых предметов, но в правильном сочетании они создают грамотную композицию. Я решила писать один и тот же натюрморт в разных техниках, чтобы показать и рассказать Вам об отличиях этих техник.
Цель проекта: написать натюрморт в разных художественных техниках исполнения.
Задачи:
- углубить знания об истории развития натюрморта, его особенностях и техниках исполнения;
- продемонстрировать мастерство выполнения натюрморта в художественных техниках: гуашь, пастель, простой карандаш;
- исследовать творчество художников-натюрмористов 20-21 веков.
Натюрмо́рт (фр. nature morte — «мёртвая природа») — изображение неодушевлённых предметов в изобразительном искусстве, в отличие от портретной, жанровой, исторической и пейзажной тематики.
Искусство натюрморта имеет свою прекрасную и давнюю историю. Натюрморт вводит нас в мир, окружающий художника, дает возможность оглянуться на несколько веков назад, сопереживать вместе с мастером особо любимые им мотивы. На протяжении многих веков художники пытаются с помощью окружающих их вещей выразить свое понимание мира, свои мысли и интересы, и у каждого творца это получается по-своему, каждое произведение индивидуально. В одних натюрмортах преобладает реальность, для других мастерство. Важнее выразительные начала живописи. У каждого живописца свое видение мира.
Натюрморт как самостоятельный жанр, возник во Фландрии и Голландии на рубеже XVI и XVII веков, быстро достигнув необычайного совершенства в передаче многообразия предметов материального мира.
Процесс становления натюрморта протекал более или менее однотипно во многих странах Западной Европы. Становление натюрморта в Нидерландах ознаменовалась двумя этапами, на первом он мог существовать лишь в виде более или менее самостоятельного изображения на обороте изобразительной плоскости картины, либо в виде аксессуаров на лицевой стороне картины. Следующим этапом становление жанра натюрморта были произведения, в которых натюрморт и религиозная тема поменялись местами. Изображение неодушевленных предметов выступало как часть активного единого процесса всестороннего овладения человеком реального мира, его художественным осмыслением.
Мощного расцвета он достиг во Фландрии и вошел в историю под названием фламандский натюрморт. Эпоха его расцвета была связана с именами крупнейших художников Фландрии, вошедших в историю изобразительного искусства Западной Европы: Франса Снейдерса и его ученика Яна Фейта.
Другая мощная школа натюрморта известна под названием “голландский натюрморт”. Общность исторических судеб народов Голландии и Фландрии и единое в прошлом искусстве, из которых та и другая школа черпали художественный опыт, породили много общих черт в их живописи. Самым перспективным и прогрессивным видом голландского натюрморта был жанр «завтраков» возникший в Харлеме.
В жанре натюрморта – был создан особый тип демократического голландского варианта «завтраков». «Действующими лицами» их натюрмортов стали немногочисленные и, как правило, очень скромные по своему внешнему виду предметы повседневного домашнего быта. (Питер Клас. Завтрак. 1646 г. Виллем Хеда. Завтрак с ежевичным пирогом. 1631 г.) На дальнейшей демократизации жанра натюрморта имело место распространение типа «кухонного натюрморта», как во Фландрии, так и в Голландии. Особенностью этой разновидности при изображении предметов было большое внимание к пространственной характеристике среды.
В конце XVII века в голландском натюрморте побеждают декоративные тенденции. Новый мощный толчок развитию натюрморта в Италии дал Микеланджело Меризи де Караваджо. Он был одним из первых великих мастеров, который обратился к жанру чистого натюрморта и создал монументальный, пластический образ «мертвой натуры». С конца XVII века во французском натюрморте восторжествовали декоративные тенденции придворного искусства. Вершиной французского и западноевропейского натюрморта XVII столетия было творчество Ж. Б.С. Шардена. Оно было отмечено строгостью и свободой композиции, тонкость колористических решений.
Немного больше уделяли внимание натюрморту романтики. Романтизм не создал оригинальной значительной концепции натюрморта. Главным объектом романтического натюрморта были цветы и охотничьи трофеи.
Импрессионисты создали свою композицию натюрморта, перенеся на этот жанр принцип пленэра, разработанный ими в области пейзажа. Признав в натюрморте лишь свет и воздух, они превратили предметы в простого носителя световоздушных рефлексов.
Новый подъем натюрмортов был связан с выступлением мастеров постимпрессионизма, для которых мир вещей становится одной из основных тем, что характерно для творчества П. Сезанна ("Персики и груши") и Ван Гога ("Натюрморт с розами и подсолнухами")
С начала XX века натюрморт становится своего рода творческой лабораторией живописи. Во Франции мастера фомизма А. Матисс и др. идут по пути обостренного выявления эмоциональных, декоративных и экспрессивных возможностей цвета и фактуры, а представители кубизма Ж. Брак, П. Пикассо и др., используя заложенные в специфике натюрморта художественно-аналитические возможности, стремятся утвердить новые способы передачи пространства и формы. Натюрморт привлекает и мастеров других течений.
В России во второй половине XIX века натюрморт стал набирать свою смысловую силу, правда, сначала только в сюжетных приделах композиции П. Федотова, В. Петрова, В. Маковского, В. Поленова и других живописцев демократического направления. Натюрморт в жанровых картинах этого круга авторов раскрывал и усиливал социальную направленность их произведений, характеризовал время. Самостоятельное решение натюрморта-этюда возрастает на рубеже XIX и XX веков в работах М. А. Врубеля и В. Борисова-Масутова. Расцвет русского натюрморта приходится на XX век. Искусство характеризуется поисками в области цвета, формы, пространственного построения. Стремление расширить возможности изобразительного языка побуждает художников обращаться к традициям древнерусского и народного искусства, культуре Востока, классическому наследию Запада, к достижениям современной французской живописи.
Свое исследование я посвятила художникам-натюрмористам 20-21 вв.
Николай Сапунов "Цветы и вазы на розовом фоне", 1910. Яркий художник, мастер театральных композиций и экзотических натюрмортов, Н. Сапунов обладал очень своеобразным колористическим талантом. В период написания натюрморта "Цветы и вазы на розовом фоне" Николай Сапунов был членом объединения символистов "Голубая роза". Поэтика символизма влекла художников к романтически-окультным темам.
Петр Петрович Кончаловский (1876-1956)."Красный поднос", 1913. Укрупнить, огрубить, но сделать каждую вещь плотной и крепкой - вот задача Кончаловского в его многочисленных натюрмортах, где неслучайно фигурирует часто тот же рыночный поднос как своего рода камертон, задающий живописи необходимый уровень колористического напряжения. Цвет здесь передает не столько поверхностную раскраску, сколько саму форму и массу, материальную плоть вещей. Самые завораживающие, на мой взгляд, картины Кончаловского: «Персики», «Натюрморт с бегонией».
Кузьма Сергеевич Петров-Водкин (1878 - 1939 гг.), в семье сапожника. Будучи учеником четырёхклассного городского училища, Кузьма познакомился с двумя местными иконописцами, у которых он мог наблюдать за всеми этапами создания иконы. Под впечатлением он пробует самостоятельно писать иконы и пейзажи масляными красками. Его кисти относятся картины «Селедка», «Утренний натюрморт», «Черемуха в стакане».
Зинаида Евгеньевна Серебрякова (1884-1967 гг.) - русская художница, участница объединения «Мир искусства», одна из первых русских женщин, вошедших в историю живописи. Ученица Осипа Браза. Ее знаменитая работа «Натюрморт с атрибутами искусства». Эта работа Серебряковой имеет традиционную для художника композицию. Как это принято на произведениях с подобным названием, здесь изображена античная маска, присутствует ящик с красками, рулон бумаги, напоминающий свиток, на втором плане расположились стеклянные бутылочки с порошками-пигментами для красок и светлая керамическая ступка. Натюрморты на «производственную тему» часто встречаются в творчестве художников: «Натюрморт с земляникой», «Натюрморт с кувшином».
Российский художник Дмитрий Анненков родился в 1965 году в г. Москве. Дмитрий Анненков - настоящий мастер натюрморта, в нем он достигает совершенства, выявляя пластическое богатство предметного мира и создавая неповторимое настроение. В полотнах художника предстают предметы повседневного обихода, зачастую отмеченные печатью времени, что делает их особенно интересными. Мастерски передано ощущение внутренней жизни этих вещей, их тесная связь с атмосферой реального быта. Каждый предмет наделен своим характером, в каждом подчеркнута его структура, его материальная природа, особенно это видно в картинах: «Натюрморт со сливами», «Персики», «Серебряное блюдо», «Трапеза».
Алексей Чернигин родился в 1975 году в Нижнем Новгороде в семье известного российского художника Александра Чернигина. Обучался живописи и графическому дизайну в Нижегородском Художественном Училище (1990-1994гг). Окончил Нижегородский Государственный Архитектурно-Строительный Университет по специальности «промышленный дизайн» (1994- 2000гг). С 1998 года – член Союза Художников России. С 2001 года преподаю в Гуманитарно-художественном Институте при Нижегородском Государственном Архитектурно-Строительном Университете на кафедре «Дизайн интерьера». Такие картины как: «Яблоки», «Чай для одного», «Букет сирени», картины Чернигина написанные совсем недавно, в 2008 году.
Для своих работ я выбрала классическую постановку натюрморта. с изображением кувшина, чашки, сахарницы и фруктов, выполнив ее в трех техниках: гуашь, пастель, простой карандаш. Схемой моего натюрморта является треугольник, это подчеркивает и форма розовой драпировки (ткани в натюрморте). Постановка мной визуально собиралась из многих картин художников и фотографий. Выполнена в ярком колористическом решении.
Первый рисунок - гуашевая живопись. Гуашь – краска, состоящая из тонко растертых пигментов с водно-клеевым связующим и примесью белил. Этот термин первоначально возник в 18 веке во Франции, хотя техника создания этой краски значительно старше — она использовалась в Европе в средние века. Возникла гуашь как разновидность акварели, когда для достижения плотности красочного слоя к водяным краскам начали примешивать белила. Основа живописи гуашью составляет техника нанесения на полотно непрозрачных красок, а также кроющих красок, которые содержат в своем составе белила. Гуашь пишется по-разному, можно писать небольшими плавными, а можно густыми пастозными мазками, я писала плавными, используя плавные переходы от света к тени, которые характерны для классической живописи. Работу начинала с основного цветового прокрытия заднего плана (фона), потом от более подробно прорабатывалась светотень, прописывались детали предметов. Я использовала большое количество кистей (ситнетика № 1,2,5,белка № 2,3,6,7), также гуашь фирмы «Гамма» (12 цветов) и палитру.
Кроме гуаши, я выбрала два графических материала: пастель и простой карандаш. Они отличаются причастностью к цветной и черно-белой графике. Следующая картина была выполнена пастелью. Пастель бывает трёх типов — «сухая», масляная и восковая. Масляная пастель производится из пигмента с льняным маслом путём прессовки. Аналогично производится «сухая» пастель, за тем исключением, что не используется масло. Основу замеса восковой пастели составляют воск высшего качества и пигменты. Масляная пастель считается материалом учебным, в то время как её сухой аналог используется как в учебных целях, так и в чисто художественных. В технике «сухой» пастели широко используется приём «растушёвки», что придаёт эффект мягких переходов и нежности цвета.
Существует два основных вида сухой пастели: твёрдая и мягкая. Мягкие пастели состоят в основном из чистого пигмента, с небольшим количеством связующего вещества. Подходят для широких насыщенных штрихов. Твердые пастели реже ломаются, так как содержат большее количество связующего вещества. И прекрасно подходят для рисунка, ведь сторону палочки можно использовать для тона, а кончик для тонких линий и проработки деталей.
Рисунки пастелью обычно выполняются на цветной бумаге. Тон бумаги подбирается индивидуально, учитывая задачи рисунка. Белая бумага мешает оценить насыщенность главных цветов. Есть три типа бумаги для пастели: наждачная бумага — предназначена для художественных работ, продаётся в листах большого формата; пастельная доска — выполняется из крошечных частиц пробки; бархатная бумага — имеет бархатистую поверхность. Я использовала лист синего цвета наждачной бумаги. Для защиты пастельного рисунка от смазывания и осыпания его надо зафиксировать. Для этого подойдет обычный лак для волос или специальный фиксатор. Будет достаточно пары легких распылений. Зафиксированный рисунок слегка теряет свою пастельность (мягкость и бархатистость), цвета становятся более глубокими. Я выбрала сухую пастель фирмы «Artists’ soft» (48 цветов), для меня ей удобней рисовать. Она хорошего качества, в ней цвета хорошо прокрывают друг друга. Наносила пастель небольшим количеством, почти как штриховкой, потом растушевывала. Таким образом уже на самой картине немного смешивала цвета между собой.
И третья работа - это классический рисунок простым карандашом. Рисунок является видом графики. Это довольна долгая и сложная техника. Чтобы сделать объекты реалистичными насколько это возможно, штрихи должны быть равномерными и следовать контуру объекта, чтобы показать его форму и объем. У большинства объектов есть поверхности освещенные и затененные - светотень предметов. Поэтому необходимо делать плавные переходы от света к тени, используя штрих и тональность. Главное, что нужно помнить — начинать штрих необходимо с темной поверхности объекта. Когда использую перекрестное штрихование, угол наклона должен быть минимальным. В то же время не стоит штриховать прям совсем в линию, иначе получится «волосатая» штриховка, обязательно нужно делать наклон. Штриховка каждого излома ткани наноситься в отдельном направлении. Еще не мало важный этап в правильности штриховки – это отрывать карандаш от листа, чтобы получались отдельные линии. Использовала различные по твердости карандаши (H2, H4, HB, B3, B6).
Я думаю, что мне удалось воплотить цель и идею своих работ. Но я всегда говорю: «Надо стремиться к большему!». Поэтому в дальнейшем свои работы я подарю своим близким и оставлю одну себе в память о моем обучении в изостудии.
Надеюсь на то, что мой опыт выпускных проектов по изобразительному искусству поможет раскрытию творческого потенциала каждого ребенка.
педагог дополнительного образования
ГОУ ДО ТО "ЦДОД", г. Тула
Развитие интеллектуального потенциала, поиски отбор талантливых обучающихся, оказание им поддержки в творческом и предпрофессиональном развитии – являются важнейшими задачами, стоящими перед системой дополнительного образования. Особая роль в решении этой проблемы отводится организации проектной и учебно-исследовательской деятельности обучающихся.
Главная идея методов проектов – направленность учебно-познавательной деятельности обучающихся на результат, который получается при решении практической и теоретической, но обязательно личностно значимой и доминирующей проблемы.
В проектной деятельности обучающиеся:
- овладевают навыками работы с источником информации, технологиями, навыками самоорганизации;
- учатся ставить перед собой цели, планировать и корректировать деятельность;
- учатся принимать решения, моделировать, проектировать.
В основе работы над творческим проектом лежит развитие критического мышления, познавательных навыков обучающихся, умений самостоятельно конструировать свои знания, интегрировать их из различных областей науки, техники, искусства, ориентироваться в информационном пространстве.
Активное включение обучающихся в создание тех или иных творческих проектов дает им возможность осваивать новые способы человеческой деятельности в социокультурной среде.
Защита выпускных итоговых работ (творческих проектов) в ГОУ ДО ТО ЦДОД» организовывается в очной форме, в ней примают участие обучающиеся от 12 лет и старше, заканчивающие обучение по дополнительным общеобразовательным программам. В моем объединении - программы «Страна художников» и «Батик».
Этапы работы над творческим проектом
Работа над творческим проектом делится на 3 этапа: подготовительный, практический, заключительный.
1. Подготовительный этап.
Деятельность обучающихся:
· выбор темы творческого проекта (исходит из интересов каждого обучающегося, приобретая индивидуальный характер);
· определение актуальности темы;
· обоснование выбора темы;
· сбор и анализ необходимой информации для написания пояснительной работы, выбора сюжета темы.
Деятельность педагога дополнительного образования:
· определение цели и задач творческого проекта;
· составление плана работы по реализации творческого проекта;
2. Практический этап.
Деятельность обучающихся:
· обработка полученной информации;
· подготовка необходимых материалов, презентации к защите;
· выполнение обучающимися творческого проекта с учетом требований (структуры, технологии, техники безопасности, дизайна и др.).
Деятельность педагога дополнительного образования:
· консультации;
· текущий контроль работы обучающихся над творческим проектом и его корректировка.
3. Заключительный этап
Деятельность обучающихся:
· самооценка качества выполненной выпускной итоговой работы (творческого проекта);
· защита выпускной итоговой работы (творческого проекта).
Структура и оформление творческого проекта
Творческая работа по изобразительному искусству представляет собой рисунки (картины) размером не менее 30х40см и сопровождается пояснительной запиской. Это может быть серия работ, посвященная одной теме, например, «Городской пейзаж», «Иллюстрации к литературному произведению» или одно самостоятельное произведение форматом А2 (А1). Работы должны быть оформлены в паспарту (низ - 8 см, верх – 5 см, справа, слева – 6 см). Рисунок вместе с паспарту заключается в раму под стекло. Материал исполнения творческой работы определяется автором. Тема проекта утверждается на методическом объединении ГОУ ДО ТО «ЦДОД».
В творческий проект входят: рисунки, пояснительная записка и презентация.
В пояснительной записке к творческому проекту не допускается сокращение наименований, за исключением общепринятых. Объем работы составляет около 10 страниц печатного текста формата А 4. Шрифт 14, Times New Roman, поля: верхнее, нижнее – 2 см; левое – 3 см; правое – 1 см. В тексте должны быть использованы фотографии работы и картинки или иллюстрации, поясняющие и дополняющие текст.
Титульный лист работы должен содержать следующую информацию: полное название образовательного учреждения в соответствии с уставом; наименование формы: выпускная итоговая работа (творческий проект); название темы (посередине, в кавычках); ФИО автора (в именительном падеже без сокращений); название объединения; возраст автора; ФИО педагога (без сокращений).
Пояснительная записка
должна содержать следующую информацию:
· обоснование выбора и актуальность темы;
· цель и задачи выпускной итоговой работы (творческий проект);
· жанр в живописи (техника в батике), его понятие и история развития;
· содержание (описание) рисунка (работы);
· этапы выполнения работ;
· описание и анализ работы. В анализ входит:
- Описание того, что изображено на картине.
- В каком стиле написана картина (реализм, минимализм, импрессионизм и др.).
- Манера исполнения. Рука художника, мазки, "почерк".
- Техника. Маслянная, акварель, графика и др.
- Композиция. Симметрия, асимметрия. Диагональ, закрытая или открытая композиция, что на картине является главным. На каком плане находится главное, выделено ли цветом, положением, динамикой или др. Какая система освещения (откуда и куда) и расположения предметов (по низу, по верху). Какие контрасты, какой ритм. Расположение предметов, загруженность-разгруженность.
- Перспектива. Вид, есть ли воздушная перспектива. Ракурсы (какие развороты фигур).
- Световоздушная среда. Контрасты, нюансы, малейшие оттенки цвета, светотень, рефлексы.
- Колорит: теплый, холодный, насыщенный, разбеленный, контрастный, классический.
· Заключение. Идея сюжета и ее воплощение изобразительными средствами автором (Удалось или нет? Как?). Возможности дальнейшего использования работы.
· Список используемой литературы и электронных ресурсов.
В конце пояснительной записки обязательно прилагаются списки используемой литературы и электронных образовательных ресурсов.
Выпускная итоговая работа (творческий проект) должна быть предоставлена на бумажном носителе в файловой папке и электронном носителе (документ Word или презентация).
Защита выпускной итоговой работы (творческого проекта) представляет собой сочетание устного доклада, сопровождающегося презентацией, с представлением картин.
Презентация должна быть не менее 20-25 слайдов, 2 из которых - титульный и список литературы (электронных ресурсов). Она должна сопровождаться как текстом из исследовательской работы по теме (проблеме), этапам выполнения работ, так и картинками, фотографиями. В презентацию можно включить дополнительно, что будет плюсом к работе - поэтапное выполнение творческой работы (проекта) с фотографиями и текстом из пояснительной записки.
Контроль теоретических знаний по программе «Страна художников» проводится параллельно с защитой работы в форме тестирования. Тесты состоят из 15 вопросов по теории искусства и истории искусства с 3-4 вариантами ответов.
Пример оформления и написания пояснительной записки
Выпускная итоговая работа (творческий проект) на тему «Натюрморт в различных художественных техниках», состоит из трех работ
формата А2.
В натюрморте много обычных бытовых предметов, но в правильном сочетании они создают грамотную композицию. Я решила писать один и тот же натюрморт в разных техниках, чтобы показать и рассказать Вам об отличиях этих техник.
Цель проекта: написать натюрморт в разных художественных техниках исполнения.
Задачи:
- углубить знания об истории развития натюрморта, его особенностях и техниках исполнения;
- продемонстрировать мастерство выполнения натюрморта в художественных техниках: гуашь, пастель, простой карандаш;
- исследовать творчество художников-натюрмористов 20-21 веков.
Натюрмо́рт (фр. nature morte — «мёртвая природа») — изображение неодушевлённых предметов в изобразительном искусстве, в отличие от портретной, жанровой, исторической и пейзажной тематики.
Искусство натюрморта имеет свою прекрасную и давнюю историю. Натюрморт вводит нас в мир, окружающий художника, дает возможность оглянуться на несколько веков назад, сопереживать вместе с мастером особо любимые им мотивы. На протяжении многих веков художники пытаются с помощью окружающих их вещей выразить свое понимание мира, свои мысли и интересы, и у каждого творца это получается по-своему, каждое произведение индивидуально. В одних натюрмортах преобладает реальность, для других мастерство. Важнее выразительные начала живописи. У каждого живописца свое видение мира.
Натюрморт как самостоятельный жанр, возник во Фландрии и Голландии на рубеже XVI и XVII веков, быстро достигнув необычайного совершенства в передаче многообразия предметов материального мира.
Процесс становления натюрморта протекал более или менее однотипно во многих странах Западной Европы. Становление натюрморта в Нидерландах ознаменовалась двумя этапами, на первом он мог существовать лишь в виде более или менее самостоятельного изображения на обороте изобразительной плоскости картины, либо в виде аксессуаров на лицевой стороне картины. Следующим этапом становление жанра натюрморта были произведения, в которых натюрморт и религиозная тема поменялись местами. Изображение неодушевленных предметов выступало как часть активного единого процесса всестороннего овладения человеком реального мира, его художественным осмыслением.
Мощного расцвета он достиг во Фландрии и вошел в историю под названием фламандский натюрморт. Эпоха его расцвета была связана с именами крупнейших художников Фландрии, вошедших в историю изобразительного искусства Западной Европы: Франса Снейдерса и его ученика Яна Фейта.
Другая мощная школа натюрморта известна под названием “голландский натюрморт”. Общность исторических судеб народов Голландии и Фландрии и единое в прошлом искусстве, из которых та и другая школа черпали художественный опыт, породили много общих черт в их живописи. Самым перспективным и прогрессивным видом голландского натюрморта был жанр «завтраков» возникший в Харлеме.
В жанре натюрморта – был создан особый тип демократического голландского варианта «завтраков». «Действующими лицами» их натюрмортов стали немногочисленные и, как правило, очень скромные по своему внешнему виду предметы повседневного домашнего быта. (Питер Клас. Завтрак. 1646 г. Виллем Хеда. Завтрак с ежевичным пирогом. 1631 г.) На дальнейшей демократизации жанра натюрморта имело место распространение типа «кухонного натюрморта», как во Фландрии, так и в Голландии. Особенностью этой разновидности при изображении предметов было большое внимание к пространственной характеристике среды.
В конце XVII века в голландском натюрморте побеждают декоративные тенденции. Новый мощный толчок развитию натюрморта в Италии дал Микеланджело Меризи де Караваджо. Он был одним из первых великих мастеров, который обратился к жанру чистого натюрморта и создал монументальный, пластический образ «мертвой натуры». С конца XVII века во французском натюрморте восторжествовали декоративные тенденции придворного искусства. Вершиной французского и западноевропейского натюрморта XVII столетия было творчество Ж. Б.С. Шардена. Оно было отмечено строгостью и свободой композиции, тонкость колористических решений.
Немного больше уделяли внимание натюрморту романтики. Романтизм не создал оригинальной значительной концепции натюрморта. Главным объектом романтического натюрморта были цветы и охотничьи трофеи.
Импрессионисты создали свою композицию натюрморта, перенеся на этот жанр принцип пленэра, разработанный ими в области пейзажа. Признав в натюрморте лишь свет и воздух, они превратили предметы в простого носителя световоздушных рефлексов.
Новый подъем натюрмортов был связан с выступлением мастеров постимпрессионизма, для которых мир вещей становится одной из основных тем, что характерно для творчества П. Сезанна ("Персики и груши") и Ван Гога ("Натюрморт с розами и подсолнухами")
С начала XX века натюрморт становится своего рода творческой лабораторией живописи. Во Франции мастера фомизма А. Матисс и др. идут по пути обостренного выявления эмоциональных, декоративных и экспрессивных возможностей цвета и фактуры, а представители кубизма Ж. Брак, П. Пикассо и др., используя заложенные в специфике натюрморта художественно-аналитические возможности, стремятся утвердить новые способы передачи пространства и формы. Натюрморт привлекает и мастеров других течений.
В России во второй половине XIX века натюрморт стал набирать свою смысловую силу, правда, сначала только в сюжетных приделах композиции П. Федотова, В. Петрова, В. Маковского, В. Поленова и других живописцев демократического направления. Натюрморт в жанровых картинах этого круга авторов раскрывал и усиливал социальную направленность их произведений, характеризовал время. Самостоятельное решение натюрморта-этюда возрастает на рубеже XIX и XX веков в работах М. А. Врубеля и В. Борисова-Масутова. Расцвет русского натюрморта приходится на XX век. Искусство характеризуется поисками в области цвета, формы, пространственного построения. Стремление расширить возможности изобразительного языка побуждает художников обращаться к традициям древнерусского и народного искусства, культуре Востока, классическому наследию Запада, к достижениям современной французской живописи.
Свое исследование я посвятила художникам-натюрмористам 20-21 вв.
Николай Сапунов "Цветы и вазы на розовом фоне", 1910. Яркий художник, мастер театральных композиций и экзотических натюрмортов, Н. Сапунов обладал очень своеобразным колористическим талантом. В период написания натюрморта "Цветы и вазы на розовом фоне" Николай Сапунов был членом объединения символистов "Голубая роза". Поэтика символизма влекла художников к романтически-окультным темам.
Петр Петрович Кончаловский (1876-1956)."Красный поднос", 1913. Укрупнить, огрубить, но сделать каждую вещь плотной и крепкой - вот задача Кончаловского в его многочисленных натюрмортах, где неслучайно фигурирует часто тот же рыночный поднос как своего рода камертон, задающий живописи необходимый уровень колористического напряжения. Цвет здесь передает не столько поверхностную раскраску, сколько саму форму и массу, материальную плоть вещей. Самые завораживающие, на мой взгляд, картины Кончаловского: «Персики», «Натюрморт с бегонией».
Кузьма Сергеевич Петров-Водкин (1878 - 1939 гг.), в семье сапожника. Будучи учеником четырёхклассного городского училища, Кузьма познакомился с двумя местными иконописцами, у которых он мог наблюдать за всеми этапами создания иконы. Под впечатлением он пробует самостоятельно писать иконы и пейзажи масляными красками. Его кисти относятся картины «Селедка», «Утренний натюрморт», «Черемуха в стакане».
Зинаида Евгеньевна Серебрякова (1884-1967 гг.) - русская художница, участница объединения «Мир искусства», одна из первых русских женщин, вошедших в историю живописи. Ученица Осипа Браза. Ее знаменитая работа «Натюрморт с атрибутами искусства». Эта работа Серебряковой имеет традиционную для художника композицию. Как это принято на произведениях с подобным названием, здесь изображена античная маска, присутствует ящик с красками, рулон бумаги, напоминающий свиток, на втором плане расположились стеклянные бутылочки с порошками-пигментами для красок и светлая керамическая ступка. Натюрморты на «производственную тему» часто встречаются в творчестве художников: «Натюрморт с земляникой», «Натюрморт с кувшином».
Российский художник Дмитрий Анненков родился в 1965 году в г. Москве. Дмитрий Анненков - настоящий мастер натюрморта, в нем он достигает совершенства, выявляя пластическое богатство предметного мира и создавая неповторимое настроение. В полотнах художника предстают предметы повседневного обихода, зачастую отмеченные печатью времени, что делает их особенно интересными. Мастерски передано ощущение внутренней жизни этих вещей, их тесная связь с атмосферой реального быта. Каждый предмет наделен своим характером, в каждом подчеркнута его структура, его материальная природа, особенно это видно в картинах: «Натюрморт со сливами», «Персики», «Серебряное блюдо», «Трапеза».
Алексей Чернигин родился в 1975 году в Нижнем Новгороде в семье известного российского художника Александра Чернигина. Обучался живописи и графическому дизайну в Нижегородском Художественном Училище (1990-1994гг). Окончил Нижегородский Государственный Архитектурно-Строительный Университет по специальности «промышленный дизайн» (1994- 2000гг). С 1998 года – член Союза Художников России. С 2001 года преподаю в Гуманитарно-художественном Институте при Нижегородском Государственном Архитектурно-Строительном Университете на кафедре «Дизайн интерьера». Такие картины как: «Яблоки», «Чай для одного», «Букет сирени», картины Чернигина написанные совсем недавно, в 2008 году.
Для своих работ я выбрала классическую постановку натюрморта. с изображением кувшина, чашки, сахарницы и фруктов, выполнив ее в трех техниках: гуашь, пастель, простой карандаш. Схемой моего натюрморта является треугольник, это подчеркивает и форма розовой драпировки (ткани в натюрморте). Постановка мной визуально собиралась из многих картин художников и фотографий. Выполнена в ярком колористическом решении.
Первый рисунок - гуашевая живопись. Гуашь – краска, состоящая из тонко растертых пигментов с водно-клеевым связующим и примесью белил. Этот термин первоначально возник в 18 веке во Франции, хотя техника создания этой краски значительно старше — она использовалась в Европе в средние века. Возникла гуашь как разновидность акварели, когда для достижения плотности красочного слоя к водяным краскам начали примешивать белила. Основа живописи гуашью составляет техника нанесения на полотно непрозрачных красок, а также кроющих красок, которые содержат в своем составе белила. Гуашь пишется по-разному, можно писать небольшими плавными, а можно густыми пастозными мазками, я писала плавными, используя плавные переходы от света к тени, которые характерны для классической живописи. Работу начинала с основного цветового прокрытия заднего плана (фона), потом от более подробно прорабатывалась светотень, прописывались детали предметов. Я использовала большое количество кистей (ситнетика № 1,2,5,белка № 2,3,6,7), также гуашь фирмы «Гамма» (12 цветов) и палитру.
Кроме гуаши, я выбрала два графических материала: пастель и простой карандаш. Они отличаются причастностью к цветной и черно-белой графике. Следующая картина была выполнена пастелью. Пастель бывает трёх типов — «сухая», масляная и восковая. Масляная пастель производится из пигмента с льняным маслом путём прессовки. Аналогично производится «сухая» пастель, за тем исключением, что не используется масло. Основу замеса восковой пастели составляют воск высшего качества и пигменты. Масляная пастель считается материалом учебным, в то время как её сухой аналог используется как в учебных целях, так и в чисто художественных. В технике «сухой» пастели широко используется приём «растушёвки», что придаёт эффект мягких переходов и нежности цвета.
Существует два основных вида сухой пастели: твёрдая и мягкая. Мягкие пастели состоят в основном из чистого пигмента, с небольшим количеством связующего вещества. Подходят для широких насыщенных штрихов. Твердые пастели реже ломаются, так как содержат большее количество связующего вещества. И прекрасно подходят для рисунка, ведь сторону палочки можно использовать для тона, а кончик для тонких линий и проработки деталей.
Рисунки пастелью обычно выполняются на цветной бумаге. Тон бумаги подбирается индивидуально, учитывая задачи рисунка. Белая бумага мешает оценить насыщенность главных цветов. Есть три типа бумаги для пастели: наждачная бумага — предназначена для художественных работ, продаётся в листах большого формата; пастельная доска — выполняется из крошечных частиц пробки; бархатная бумага — имеет бархатистую поверхность. Я использовала лист синего цвета наждачной бумаги. Для защиты пастельного рисунка от смазывания и осыпания его надо зафиксировать. Для этого подойдет обычный лак для волос или специальный фиксатор. Будет достаточно пары легких распылений. Зафиксированный рисунок слегка теряет свою пастельность (мягкость и бархатистость), цвета становятся более глубокими. Я выбрала сухую пастель фирмы «Artists’ soft» (48 цветов), для меня ей удобней рисовать. Она хорошего качества, в ней цвета хорошо прокрывают друг друга. Наносила пастель небольшим количеством, почти как штриховкой, потом растушевывала. Таким образом уже на самой картине немного смешивала цвета между собой.
И третья работа - это классический рисунок простым карандашом. Рисунок является видом графики. Это довольна долгая и сложная техника. Чтобы сделать объекты реалистичными насколько это возможно, штрихи должны быть равномерными и следовать контуру объекта, чтобы показать его форму и объем. У большинства объектов есть поверхности освещенные и затененные - светотень предметов. Поэтому необходимо делать плавные переходы от света к тени, используя штрих и тональность. Главное, что нужно помнить — начинать штрих необходимо с темной поверхности объекта. Когда использую перекрестное штрихование, угол наклона должен быть минимальным. В то же время не стоит штриховать прям совсем в линию, иначе получится «волосатая» штриховка, обязательно нужно делать наклон. Штриховка каждого излома ткани наноситься в отдельном направлении. Еще не мало важный этап в правильности штриховки – это отрывать карандаш от листа, чтобы получались отдельные линии. Использовала различные по твердости карандаши (H2, H4, HB, B3, B6).
Я думаю, что мне удалось воплотить цель и идею своих работ. Но я всегда говорю: «Надо стремиться к большему!». Поэтому в дальнейшем свои работы я подарю своим близким и оставлю одну себе в память о моем обучении в изостудии.
Надеюсь на то, что мой опыт выпускных проектов по изобразительному искусству поможет раскрытию творческого потенциала каждого ребенка.
